Es gibt eine bewundernswerte neue Serie mit dem Titel “Reframed”, die Donnerstagabend auf TCM spielt. Es zeigt die Moderatoren des Senders – die Filmwissenschaftlerin Jacqueline Stewart neben Ben Mankiewicz, Dave Karger, Alicia Malone und Eddie Muller -, die klassische Filme kontextualisieren, die „beunruhigend und problematisch“ sein können. Die Serie mit Einführungen und Diskussionen nach der Ausstrahlung wurde letzte Woche mit einer offensichtlichen, aber dennoch entscheidenden Auswahl, „Vom Winde verweht“, vorgestellt. Stewarts Post-Broadcast-Diskussion mit Muller, einem Film-Noir-Spezialisten, ist fruchtbar. Seine heilsamste Wirkung besteht darin, leise, aber kraftvoll die historische Illusion des sogenannten Mainstreams zu zerstören. Die Diskussion wird von Mankiewicz ins Leben gerufen (ja, Beziehung zum Protagonisten von „Mank“- er ist sein Enkel), der Malcolm X zitiert und sagt, dass er, als er im Theater” Vom Winde verweht “sah und die Aufführung von Butterfly McQueen sah, der eine versklavte Frau namens Prissy spielte,” Lust hatte, unter die zu kriechen Teppich.” Malcolms Reaktion, sagt Stewart, veranschaulicht die Tatsache, dass es “eine Reihe von Reaktionen auf den Film gab – er wurde einfach nicht allgemein gelobt”. Das heißt, nur unter weißen Zuschauern, Kritikern und Journalisten war die Bewunderung des Films praktisch einstimmig und vergaß seine schädlichen Verzerrungen.
Viele der Filme in der Serie haben Sequenzen, die jeden Zuschauer erschrecken lassen sollten, wie die Blackface-Routinen in „The Jazz Singer“ und „Swing Time“ (von Al Jolson bzw. Fred Astaire) und die Darstellung von Indianern in “The Searchers” – und das ließ zweifellos viele Zuschauer zum Zeitpunkt der Veröffentlichung der Filme zusammenzucken, auch wenn ihre Stimmen in der “Mainstream” -Presse (dh der White-Run-Presse) kaum berichtet wurden. Die “Reframed” -Serie hat den Vorteil, dass diese Filme mit einem Warnschild versehen werden, einem Totenkopf-Aufkleber, der darauf hinweist, dass der Inhalt dieser Filme giftig ist und mit Vorsicht angegangen werden sollte, nicht beiläufig oder achtlos konsumiert. Aber es gibt eine andere Art von Hollywood-Film und eine andere Art von giftiger Filmpraxis, die dazu neigt, unter dem Radar der kritischen Umgestaltung zu fliegen, weil ihre Sünden eher ausgelassen als in Auftrag gegeben sind: die große Anzahl klassischer Hollywood-Filme, die Charaktere mit der Farbe Nr. 1 geben wesentliche Identitäten oder Diskurs überhaupt. Diese Stille hallt entsetzlich durch die Geschichte des Hollywood-Filmemachens und hat mit einer grundlegenden Verfehlung der Ästhetik zu tun, die Hollywoods künstlerischen Einfluss in der Welt des Films bis heute in Frage stellen sollte.
Ein aussagekräftiges Beispiel findet sich im Drama „Komme und nimm es, ”Ab 1936, hauptsächlich von Howard Hawks und dann, nachdem er gefeuert wurde, von William Wyler. Es ist die Geschichte eines Holzfäller aus Wisconsin namens Barney (Edward Arnold), der die Frau, die er liebt, Lotta (Frances Farmer), beschimpft, um die Tochter seines Chefs zu heiraten. Viele Jahre später, als Tycoon der Papierfabrik, lernt er die Tochter der Frau kennen (ebenfalls gespielt von Farmer und auch Lotta genannt) und verliebt sich in sie. Es gibt eine Szene, in der Barney, die jüngere Lotta und zwei andere zusammen mit der Bahn von Wisconsin nach Chicago in einem privaten Zugwagen fahren. Dort führt ein schwarzer Portier sie ein und wartet auf Befehle von Barney, der ihn als „Schneeflocke“ anspricht, bevor er ihn fröhlich entlässt. Barneys beiläufig rassistische Bonhomie mag dem Charakter und der Zeit entsprechen (die Handlung spielt 1907); Die Frage ist, was der Portier selbst dazu zu sagen hat. Irgendwann auf der Reise würde der Portier unweigerlich in der Gesellschaft anderer schwarzer Angestellter sein und sie würden miteinander sprechen – auf eine Weise, die sich offensichtlich drastisch von der Art und Weise unterscheiden würde, wie sie die weißen Gönner des Zuges ansprechen würden. Aber der Film macht den Portier oder seine Perspektive niemals zu einem Teil der Geschichte; Er ist nur da, um die Vierer in ihr privates Auto und von dort in den öffentlichen Speisewagen des Zuges zu bringen.
Der Film „Come and Get It“ aus dem Jahr 1936 zeigt beispielhaft, wie die größten und schlimmsten Dinge an klassischen Hollywood-Filmen untrennbar miteinander verbunden sind.Foto von Getty
Mit der Wahl von „Come and Get It“ wähle ich absichtlich einen meiner Lieblingsfilme aus, von einem der Regisseure, die meine Liebe zu klassischen Hollywood-Filmen geweckt haben, denn mein Punkt ist, dass die größten und schlimmsten Dinge an klassischen Hollywood-Filmen sind untrennbar miteinander verbunden. Hawks – der immer am Schreiben seiner Drehbücher beteiligt war – definierte seine Methode einmal in einem Interview mit Joseph McBride als “meine Geschichte so einfach wie möglich zu erzählen”. Sein vereinfachter Stil – die Kamera auf Augenhöhe zu halten, Schauspieler knapp sprechen zu lassen und sich zügig zu bewegen – war extrem, aber er war auch beispielhaft dafür, was Hollywood sowohl kommerziell als auch künstlerisch erfolgreich machte. In dem Aufsatz „Rediscovering America“ von 1955 definierte Éric Rohmer den Hollywood-Stil in zwei Worten: „Effizienz und Eleganz“. Für Hollywood-Regisseure fügte er hinzu: “Ellipsen sind nur ein Mittel zum Erzählen von Geschichten.” Der Träger namens Schneeflocke wurde auf dem Altar einer solchen Standard-Auslassungsellipse geopfert. Man würde es schwer haben, sich dafür einzusetzen, dass er für das Drama von „Come and Get It“ von zentraler Bedeutung ist, geschweige denn von wesentlicher Bedeutung – es ist leicht zu erkennen, wie seine Geschichte im Dienste eines effizienten Geschichtenerzählens weggelassen worden wäre. Hollywoods Inspirationen für visuellen Stil und Symbol, seine Fähigkeit, die emotionalen Wahrheiten der Charaktere mit atemberaubender Schnelligkeit und Untertreibung zu vermitteln, entstanden alle aus denselben verdichteten und geschärften, konzeptionell verfeinerten und destillierten dramatischen Methoden, die bestimmte Figuren zentrierten und andere am Rande oder außerhalb ließen insgesamt. Das Problem mit Snowflake ist nicht, dass eine weitere und detailliertere Darstellung von ihm nicht in „Come and Get It“ passt. Das Problem liegt in der Enge der Vorstellung, was überhaupt eine gut erzählte Geschichte ausmacht.
Das moderne, umfassendere politische Kino in den Vereinigten Staaten und anderswo verdankt seine Existenz der Ausweitung oder sogar Explosion dieses Begriffs. Die Gruppe der Filmemacher, die für den Wandel verantwortlich war, war diejenige, zu der Rohmer selbst gehörte (und von der er auch der intellektuelle Pate war), die französische Neue Welle. Als erste kinephile Generation von Filmemachern nahmen die New Wave-Regisseure Hollywoods Konventionen zusammen mit ihren künstlerischen Inspirationen auf, und als sie Filme machten, wurde ihr Verständnis der letzteren zu einem Hebel, mit dem sie die ersteren aufbrechen konnten – um die Konventionen auseinander zu reißen und gleichzeitig anzuerkennen ihre mythologische Kraft. Sie waren größtenteils keine politischen Filmemacher (nur Jean-Luc Godard griff leidenschaftlich nach diesem Mantel), aber ihre wütende Originalität wurde zu einem Prolegomen für jedes zukünftige politische Kino.
Die Neue Welle hat sich schnell als international inspirierend für das politische Kino erwiesen, wie in Portugal, wo Fernando Lopes die Grenzen zwischen Dokumentarfilm und Fiktion durchbrach, um einen armen und verwaschenen Boxer in seiner eigenen Stimme sprechen zu sehen und zu hören und die Qualen seiner Zeit zu entfalten „Belarmino”(Ab 1964). Wie in Brasilien, wo Glauber Rocha platzen die Nähte eines realistischen Dramas mit einer Mischung aus mythopoetischer Wut und politischer Analyse. Wie in Westdeutschland, wo Rainer Werner Fassbinder Gangster- und Hangoutfilme, Melodram- und Kostümdrama sowie Science-Fiction in vernichtende historische und politische Kritik verwandelte. Und wie in Frankreich selbst, wo Filmemacher wie Med Hondo mit „Soleil Ô“ und Melvin Van Peebles (der dort in den sechziger Jahren lebte) in „Die Geschichte eines Drei-Tage-Passes, “Entwickelten frei collagenartige Methoden und die extreme Subjektivität des New Wave-Filmemachens zu einem neuen Kino der schwarzen Erfahrung. In den USA haben unabhängige Filmemacher wie William Greaves mit „Symbiopsychotaxiplasma: Nehmen Sie eine”; Jim McBride, mit “David Holzmans Tagebuch”; Lizzie Borden, mit “In Flammen geboren”; und Yvonne Rainer mit „Privileg, “Entwickelte und erweiterte die selbstimplizierenden und selbst hinterfragenden Methoden der New Wave, um politisch und formal radikale Filme zu machen, die die Natur der Filmerzählung und die soziale Ordnung gemeinsam überdenken.
Der auffälligste und folglich gewagteste von New Wave inspirierte Story-Breaker ist Spike Lee, der – obwohl seine Arbeit schließlich in Hollywood seine Spuren hinterlassen hat – mit „She’s Gotta Have It“ ins filmische Bewusstsein geriet. Der Film ist eine auffällige Hommage an das jazzige und rhetorisch störende, selbstbewusst rahmenbrechende Werk von Jean-Luc Godard und François Truffaut. Die Fragmentierung seiner Geschichte, die Unterbrechung des Dramas zur direkten Ansprache, die stilisierten und visuell verzerrten Bilder, die Betonung des Extrudierens und Vordergrunds des kulturellen Erbes und der historischen Strömungen, sogar das polyphone und rhetorisch nachdrückliche Scheinwerferlicht von Stimmen – sie alle arbeiten im Interesse von Lees eigener Fluss von Assoziationen, sein Auseinanderreißen der Erzählung im Interesse seiner Vision aus der ersten Person, die sowohl klanglich als auch verbal ist. (Der Kritiker Matt Zoller Seitz hat destilliert Ein entscheidender Aspekt der Lee-Godard-Verbindung ist das „Verwandeln von Subtext in Text“.) „Do the Right Thing“ ist mehr als ein außerordentlich klarer und anspruchsvoller politischer Film. Es ist auch einer der (vielleicht) ästhetischsten Filme, die jemals von einem Hollywood-Studio gedreht wurden, und diese beiden Tugenden sind untrennbar miteinander verbunden.
Ebenso die Ausschlüsse, die von den klassischen Studios durchgesetzt wurden – die völlige Abwesenheit von schwarzen Filmemachern und Führungskräften (eine Situation, die Julie Dash in ihrem konterhistorischen Drama brillant dramatisiert hat).Illusionen, ”Ab 1982), die Marginalisierung schwarzer Schauspieler, die nahezu vollständige Abwesenheit weiblicher Regisseure und Produzenten – sind untrennbar mit dem Ausschluss von Themen, Charakteren, Ideen und Fakten verbunden. Und beide Ausschlüsse sind untrennbar mit den stillschweigenden formalen Ausschlüssen des Systems verbunden – der Effizienz des Geschichtenerzählens, der Unterdrückung von Exkurs und Störung, auf denen dieser klassische Stil basiert. Es gibt keine „Geschichte“, die in einem Thema latent ist und darauf wartet, entdeckt zu werden, oder die in einem Film wie seiner platonischen Form vorbesteht. Es gibt nur das, was ein Filmemacher im Sinn hat und zeigen, hören, sehen, sagen will. Hawks sagte zu McBride: „Wenn Sie Charaktere spielen können, können Sie die Handlung vergessen. Sie haben nur Charaktere, die sich bewegen. Lassen Sie sie die Geschichte für Sie erzählen und machen Sie sich keine Sorgen um die Verschwörung. “ Aber welche Charaktere?
Der Schauspieler, der in „Come and Get It“ die Rolle der Schneeflocke spielt, wird auf IMDb als Fred (Schneeflocke) Toones, ein Schauspieler, der auch den Schuhputzstand im Studio von Republic Pictures leitete. Viele seiner Rollen sind für Charaktere ohne Namen (“Pullman Porter”, “Washroom Attendant”, sogar “Native”). In einem anderen großartigen Film, “Big Brown Eyes” aus dem Jahr 1936, in dem Cary Grants Filmpersönlichkeit endgültig festgelegt wurde, spielt Toones eine Figur namens Chalky. in Dutzenden anderen heißt er Schneeflocke. Doch in Hawks ‘Film bleibt die seltsame Durchdringung von Leben und Kunst, das metafiktionale Element, außerhalb des Namens der Figur völlig unangetastet. Das Pullman Porter Wen Toones in „Come and Get It“ spielt, ist eine Figur von enormer historischer Bedeutung: Alle waren Schwarze, und die ersten waren früher versklavte Menschen, die angeheuert wurden, um weißen Passagieren einen Vorgeschmack auf ehrerbietigen Service zu geben. Der Job war mit vielen damit verbundenen Unzucht verbunden, einschließlich der Praxis, dass Passagiere Träger wahllos als „George“ ansprechen, ohne Rücksicht auf ihre tatsächlichen Namen. Kurz gesagt, sowohl die realen Toones als auch der Job, den sein Charakter in „Come and Get It“ innehatte, sind beide Filme für sich – Filme, die Hollywood nie gemacht hat. Das administrative und ästhetische System, das solch erniedrigende Stille zur Norm macht, sogar zur Regel, ist der Grund, warum, wie die Bemühungen der “Reframed” -Serie nahe legen, die Nostalgie nach klassischem Hollywood nicht nur falsch ist; es ist unanständig – ebenso wie die heutigen filmischen Geschichtenerzähler, die davon ausgehen, seinem Beispiel zu folgen.
